“Bittersweet Melodies” reviewed by The New Noise

cronica109-2016_520
Quello musicale è solamente un aspetto dell’attività creativa di Ran Slavin, artista multimediale israeliano con base a Tel Aviv. Le sue installazioni sono esattamente come potreste immaginarle ascoltando i suoi dischi: luci al neon e paesaggi distopici. Slavin, in ogni caso, nasce proprio come musicista: voce e chitarra del gruppo post-punk israeliano Shalosh Hait e prima ancora parte dei Cholera.

Il tema principale del disco è quello della finzione, dei paesaggi da cartolina, di tutto ciò che è oleografico, chiaramente inautentico. L’impressione è che Slavin voglia mettere in scena la tensione, irrisolta, fra tradizione (di qui l’utilizzo di materiale variamente folklorico in forma di sample) e turbocapitalismo: nonostante lui provenga da un’area dove arte e rivendicazione politica spesso e comprensibilmente vanno a braccetto, il piano del discorso non è politico per sua stessa ammissione, bensì socioculturale, nel senso di una rappresentazione di contesti di normale alienazione derivati dai modelli di vita diffusi e dallo sviluppo urbanistico. Va detto per inciso che tutto ciò una valenza politica ce l’avrebbe comunque, anche senza tirare in ballo il conflitto israelo-palestinese.
Le ambientazioni sonore create dall’artista israeliano sono permeate da un’aura vagamente noir, e sono assolutamente complementari alla sua videoarte: un parcheggio multipiano, un centro commerciale all’ora di chiusura, la hall deserta di un grande albergo sembrano essere i possibili scenari evocati. I motivetti da videogioco s’intrecciano con armonie mediorientali, deliri tropicalisti e house music deformata, tutto sporcato a dovere con una buona dose di glitch. La ripetizione ossessiva dei campioni conduce l’ascoltatore ad una sorta di stato catatonico: a dominare è una sensazione di desolazione, una situazione di fatiscenza emotiva piuttosto che fisica.

Bittersweet Melodies è disponibile su cd dallo scorso 19 aprile; l’etichetta è la portoghese Crónica, che ha già pubblicato gli ultimi lavori di Ran Slavin. Angelo Borelli

via The New Noise

“Positions” reviewed by Nieuwe Noten

cronica097-2015_520
Martijn Tellinga is wellicht nog het beste te omschrijven met de titel ‘geluidskunstenaar’, want ofschoon hij componist is, schiet de klassieke connotatie bij die titel tekort. Simpelweg omdat Tellinga het allemaal net iets anders aanpakt. Zijn stukken worden steevast niet op het concertpodium gespeeld, veelal zijn er geen partituren en de stukken worden ook lang niet altijd door professionele musici uitgevoerd.

Op de recente CD ‘Postitions’ is werk van de laatste jaren bijeen gebracht. Een mooi moment om eens uitgebreid in te zoomen op de bijzondere composities van Tellinga. Belangrijk in zijn werk is het begrip ‘ruimte’. Het speelt letterlijk een rol, Tellinga is kritisch over de plaatsen waar zijn stukken worden uitgevoerd en de opstelling van de instrumenten in de ruimte, maar ook symbolisch speelt het begrip ‘ruimte’ een belangrijk rol. In een recent interview met Danae Bos in Gonzo (Circus) zegt hij hierover: “In mijn composities zitten altijd ruimtelijkheden in de zin van vrijheden. Interpretaties van de partituur, de symbolen of een beeldtaal die gebruikt wordt. Ze zijn niet uitgeschreven in een notenschrift dat van punt tot punt is gedefinieerd, het zijn veeleer ruimtes of gebieden…De aanwijzingen kunnen ook symbolisch zijn, of gerelateerd aan een actie, een akoestische ruimte of aan de hand van fysieke ruimte.”

In de twee uitvoeringen van ‘Three Modulators’ uit 2011 komen de beide opvattingen samen. De drie trombonisten, respectievelijk de drie bassisten krijgen niet alleen als musici maximale speelruimte, Tellinga werkt hier ook met de fysieke ruimte. Je hoort duidelijk dat de ene musicus dichterbij klinkt dan de ander. In het stuk openbaart het zich in aanzwellende en afzwakkende klanken, als golven in de branding. Bij de versie voor drie trombones doet zich bovendien de associatie met scheepshoorns gelden. In ‘Truth. Excercise for a listener’ krijgen musici de opdracht om de via geluid de locatie te verkennen. Op welke wijze ze dit willen doen, staat vrij. Verder heeft Tellinga bepaald dat opnames alleen gemaakt mogen met draagbare apparatuur en dat het publiek niet mag weten dat er een uitvoering gepland staat. In de uitvoering op deze CD horen we trombonist Rishin Singh en bassist Sam Pettigrew tijdens de Now Now Serie in Sidney, 2012 en natuurlijk het publiek, want dat weet immers van niets. Die rol van het publiek wordt overigens gedurende het stuk, eveneens vanzelfsprekend, steeds kleiner. Tot we alleen de instrumenten nog horen. En ook hier bewegen deze zich duidelijk door de ruimte. ‘Branching into Others, for a large instrumental field’ vinden we hier in een uitvoering van Ensemble Modelo62, in het Muziekgebouw aan ’t IJ. Ook hier speelt de fysieke ruimte een belangrijk rol, terwijl de leden van het ensemble hun klanken laten groeien in duur, dichtheid en dynamiek. Tot het stuk eindigt met één lange, door alle instrumenten gespeelde puls, die langzaam uitdooft.

Het meest bijzondere stuk op de CD is ongetwijfeld ‘Positions, for those involved’. Hier zorgt het publiek voor de uitvoering. Een publiek dat slechts één opdracht meekrijgt: “Bedenk een simpel systeem van luisteren en reactie”. De rest is vrij. Tellinga zelf over dit stuk in het eerder genoemde interview: “Ik heb dat werk op best veel plekken op de wereld laten uitvoeren en de uitvoering is erg afhankelijk van waar je bent. In Japan nemen mensen het extreem serieus en zijn ze heel gedoseerd en precies. In Argentinië (waarvan de uitvoering op deze CD terecht kwam, red.) werd het een soort van noise-interpretatie waar mensen met stoelen aan het slepen waren en colablikjes aan het verwringen waren, totaal het tegenovergestelde.”
Hier past de uitspraak van Joseph Beuys: “Jeder Mensch ist ein Künstler”. Benieuwd hoe andere uitvoeringen van dit stuk klinken. De uitvoering die we hier horen is in ieder geval een prachtig klankkunstwerk. Welllicht een idee voor een volgende CD: meerdere uitvoeringen van ‘Positions, for those involved’ op een rij. Ben Taffijn

via Nieuwe Noten

“Bittersweet Melodies” reviewed by RifRaf

cronica109-2016_520
Un tour du côté de 2010, embranchement vers les tops de l’année. Tout en haut de l’échelle, là où les espoirs de disques indémodables tentent de préfigurer l’avenir. Elle se dessinait aux sons d’une ambient venue d’Israël, mise en abime par RAN SLAVIN, sous le nom bienvenu de ‘The Mediterranean Drift’. Six ans plus loin, c’est long comme une traversée de l’océan sans The Caretaker, l’homme de Tel Aviv nous refait le coup du sublime sur ‘Bittersweet Melodies’ (Crónica, le fidèle hébergeur). Carrément peur de rien. Musique noire sous le bras de Giuseppe Ielasi, extensions cinématiques sous le coude d’Achim Szepanski, on se met carrément à fantasmer au retour du légendaire label Mille Plateaux. Ça vire dans moult directions, entre mille clins d’œil d’illusionniste confirmé – et jamais blasé. L’abstraction s’élève, le jazz joue un rôle en sourdine, des beats lo-fi déboîtent la sagesse, ça vrille, ça fuse, c’est un ticket gagnant pour la médaille olympique sans pousser la chansonnette. Même pas besoin de gonflette aux hormones ni de juge corrompu. S’il va à Rio, il n’oubliera pas de monter là-haut. Fabrice Vanoverberg

“Three-Body Problem” reviewed by RifRaf

cronica111-2016_520
Juin, mois des chouchous. En provenance du Portugal, précisément du Théâtre de Marionnettes de Porto. Abonné depuis leur ‘Ab OVO’ de 2014, le duo @C renouvelle l’expérience sur ‘Three Body Problem’ (Crónica, plus que jamais). Les premiers instants sont énigmatiques, le temps de défricher le terrain. De percevoir les acquaintances avec Peter Rehberg, de se rappeler de ses rapprochements avec Giselle Vienne. Puis vient l’éclaircie salutaire. Pas besoin d’imaginer les figures manipulées en souterrain, les sons explosent à la figure. En toute décontraction noise. Sans agressivité, avec un sens de la glisse bruitiste exemplaire. Ponctué de quelques interventions extérieures, dont les remarquables gongs et cloches de Joao Pais Filipe (‘112 (Pace)’), on imagine poindre le Bell Orchestra. Ou le souvenir de Joanna Newsom, merci la harpe d’Angelica V. Salvi. Que décidément, Miguel Carvalhais et Pedro Tudela manient l’art des contrastes. De l’impressionnisme au revendicatif, de la lenteur à l’excitation, leurs neuf déclinaisons sectionnent les mauvaises habitudes. Allelujah. Fabrice Vanoverberg

New in the Corollaries series: Fernando Godoy’s “Is the space empty, only to be filled with the energy of this voice?”

cronica112-2016_520
This is the fifth release in the series Corollaries, that compiles works resulting from Active Crossover: Mooste, a cross-cultural collaborative residency curated by Simon Whetham and hosted by MoKS, in April and May 2015. All works are composed from material compiled in a collective archive during the project.

This piece was made using field recordings of the resonance of empty spaces, activated by speech. As Alvin Lucier described in his piece ‘I am Sitting in a Room’, after many repetitions (of record and playback) the sound of the voice becomes the sound of resonant frequencies of the place. So what you hear as raw material in this piece is the natural frequencies of different spaces reinforced by the repetitions of the voice recording procedure. The voice works as an excuse to capture the sound of empty place.

Using that resonance as main material, the piece was composed reinforcing and isolating frequencies by equalization, but no other audio processing was used.

This work is one of the results of my residency at MoKS, where in collaboration with Simon Whetham, John Grizinch and Arlene Tucker, we made many recordings of this voice-resonance procedure at abandon ruins: a water tank, a mill, a pig farm, a empty glass tube from a second hand shop, a silo, an oil tank, internal and external spaces.

Is the space empty, only to be filled with the energy of this voice? is a free download from Crónica or Bandcamp.

“Bittersweet Melodies” reviewed by RNE3 Atmosfera

cronica109-2016_520
Bittersweet Melodies supone su undécimo álbum, un trabajo que se sumerge los atardeceres ambient, el negro Oriente Medio, zonas tranquilas con atmósferas utópicas o ritmos low-fi muy fracturados.

Encontramos en este Bittersweet Melodies material inédito disperso por discos duros relacionadas con una publicación con Mille Plateaux hace 12 años, justo antes de su inesperado cierre. Ahora se han reunido, remodelado, se les ha quitado el polvo, pulido, y remasterizado en esta nueva entrega de Ran Slavin.

Ran Slavin es un artista de múltiples facetas que trabaja principalmente con la instalación de vídeo, el sonido y el cine. Su trabajo explora las formas de ficción y narrativas a través del video y la instalación sonora que puede ser interpretado como una expansión de las formas cinematográficas. Su trabajo se centra en la tensión entre la realidad y la ficción, entre lo sobrenatural y lo mítico o la historia y el futurismo y obliga al espectador a pasear más allá de la realidad y de lo inmediato, en un entorno de superposición digital.

“Bittersweet Melodies” reviewed by Aural Aggravation

cronica109-2016_520
Given Ran Slavin’s broad artistic pursuits, which span video installation, sound and film, and his far-reaching interests which manifest in the exploration of the tensions between opposites, Bittersweet Melody is something of a summation of his preoccupations.

Just as ‘bittersweet’ is one of those words that encapsulates contradiction and juxtaposition, so Slavin’s latest album is built on contrasting sounds and forms. Culled and curated from pieces of work from Slavin’s archives and a release from over a decade ago, the material which comprises Bittersweet Melodies has been disassembled, reassembled and generally re-rendered.

A mellow organic drone hovers and hums through ‘Saturday’s Dress’, but the ambience is disrupted by very mechanical-sounding pings and spring and microtonal bleeps by way of irregular rhythms. A repetitive thrumming hum provides the framework for the minimal yet dense and sinister ambient hip-hop of ‘Category: Murdered Entertainers’, with distant snippets of exotica adding a heightened sense of the unfamiliar to its curious texture. Elsewhere, polyrhythmic percussion collides with stuttering trip-hop beats and eastern-flavoured scales entwine luscious soundtrack strings. Frenetic drum ‘n’ bass ballasts against shimmering electronic froth and looped vocal fragments wash in and out of rumbling scrapes, fear chords, dissonance and a rich soup of sound from all corners of the globe and of the recesses of the mind. Woozy ambience and glitchtronica waft into passages dominated by dank pulsations and murky, shadowy shapes.

The fragments evoke neither nostalgia nor excitement, but a sense of displacement, or alienation. How else does one respond to pan-cultural motifs overlaid and strewn with dancehall music and digital blips but with a sense of vague bewilderment? Slavin does not contrive to create a typical collage mash-up: Bittersweet Melodies is something altogether more subtle in many respects. Moreover, the contrasts and oppositions are moulded and melted into one another to as to become complimentary. Strange, disorientating and uncomfortable, with a lot happening simultaneously, but complimentary nevertheless.

via Aural Aggravation

Futurónica 167

futurónica_167
Episode 167 of Futurónica, a broadcast in Rádio Manobras (91.5 MHz in Porto, 18h30) and Rádio Zero (21h GMT, repeating on Tuesday at 01h) airs tomorrow, May 27th.

The playlist of Futurónica 167 is:

  1. @c, 111 (Bacchanale) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  2. @c, 112 (Pace) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  3. @c, 113 (Advent) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  4. @c, 114 (Sleep) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  5. @c, 115 (Transcendence) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  6. @c, 116 (Cage) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  7. @c, 117 (Prophecy) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  8. @c, 118 (Reduction/Reflection) (2016, Three-Body Problem, Crónica)
  9. @c, 119 (Collapse) (2016, Three-Body Problem, Crónica)

You can follow Rádio Zero’s broadcasts at radiozero.pt/ouvir and Rádio Manobras at radiomanobras.pt.

New release: @c’s “Three-Body Problem”

cronica111-2016_520
Three-Body Problem is @c’s sixteenth full-length album, and their eighth in Crónica. Like the previous Ab OVO, this album started as a soundtrack for the puppet theatre play Agapornis, premièred by the Teatro de Marionetas do Porto in October 2014, and inspired in the life and works of Anaïs Nin. Three-Body Problem was (re)composed after the première of Agapornis, therefore it is not its soundtrack, but it is intimately intertwined with it, resulting from two sequential processes of composition.

The first of these lead to the play’s soundtrack. It was developed with the company during the rehearsals and work sessions in the process of creating Agapornis. Built to a script with two female characters (played with puppets) that were two poles over which the soundtrack should be developed, the composition started with an invitation to Angelica V. Salvi (harp) and Susana Santos Silva (trumpet) to record solo parts. These parts were used as building blocks, as two attractors over which 21 pieces grew, almost by aggregation.

The post-première stage of composition was focused on the album. This did not try to recreate the play, but rather to revise and recompose the music, building a related work that would inevitably draw much more than inspiration from the play.

In Agapornis, a third character with several spoken lines was played by an actor. In this second process, that symbolic role was enacted by the interventions of João Pais Filipe (cymbals and bells) and Ricardo Jacinto (cello and electronics), two musicians with whom @c have collaborated in the past. By doing new studio recordings at later stages of the composition, or by using archival material from previous sessions, these two new collaborations helped to bring Three-Body Problem to its final form with the 9 tracks now published.

Three-Body Problem resulted from a long, slow, and matured process of composition, spanning more than two years. This process resulted from the need to allow pauses in the compositional process, to allow memory to fade, and surprise to come into effect when (re)listening to the works in progress. But also to allow other works developed during that period (as live performances or sound installations) to contaminate, and occasionally infiltrate, the pieces.

This album goes to the core of @c’s working process: a process that emphasizes collaboration; a process that is highly conceptual and very structured but that embraces and searches for emergence; a process that is very plastic, treating sound as matter to be shaped and modelled and from which to grow the pieces; a process that is encompassing and dynamic, developed between studio, stage, rehearsals, performance, audiovisuals, installations, and other activities.

Agapornis was created by Isabel Barros, Edgard Fernandes, and Rui Queiroz de Matos. Puppets were designed by Júlio Vanzeler, built by Sandra Neves, Cláudia Armanda, and João Pedro Trindade, and performed by Micaela Soares, Ricardo Ribeiro, Rui Queiroz de Matos, and Vasco Temudo.

All pieces composed by @c (Pedro Tudela & Miguel Carvalhais) in 2014-2016 from the original soundtrack to Agapornis, by Teatro de Marionetas do Porto, premièred in October 2014.

Featuring: Angelica V. Salvi (harp in 113, 115, 117, 118, 119); Susana Santos Silva (trumpet in 111, 112, 113, 114, 116, 118); João Pais Filipe (gongs & bells in 112); Ricardo Jacinto (cello & electronics in 114, 117); Edgard Fernandes & Rui Queiroz de Matos (voices in 114).