To travel by air is to enter a world of worry and waiting; basically, we’ve taken the miracle of flight and made it a hassle. Marc Behrens attempts to regain some of the wonder and awe of taking to the skies with Clould, whose title—a combination of “cloud” and “could”—refers to the possibilities inherent in flying. Over the course of 36 flights, Behrens recorded inside airports and airplanes in any way he could: with microphones in his luggage, with electromagnetic mics, with a recorder plugged into the in-flight entertainment system. After years of collecting this material, he organized it into a suite of five movements. Safety demonstrations and PA announcements are stretched and compressed until digital interference appears, making flat robotic voices sound even more inhuman. However, it’s hard not to see oneself in their stretched and blurred syllables, which seem to reenact the uncanny temporality of an interminable layover. As Behrens suggests, there may even be something spiritual in trying to decode these messages, completely forgettable in their origins but now made alien and ghostly.
Somewhere in between Heaven and the heavens, between ‘could’ and ‘clouds’ is Marc Behrens Clould. Composed of sounds recorded inside aeroplanes, airports, and other flight-related locations, this work brings together the reality and myth of the skies. An area once dominated by deities has now become a travel lane for millions, and while the mystery seems to have disappeared, the fascination with this aerial realm is as strong as ever. Clould combines these by taking the physical aspect, manipulating the recordings, and delivering an intriguing, mysterious-sounding work.
Structured around five movements of varying length, Clould is an interesting work that plays in higher spaces and aerial ideas, making the most of the flight-based field recordings. Much like the atmosphere, there is a lot of open space on the album, adding nice points for artistic reflection, although it does take away from the straight listenability of the material. However, the manipulated recordings when being active cover quite a lot of ground, going from softer and haunting up to somewhat rough and tumble, but always keeping a close distance to the main theme of the work. The atmospheric, droning pieces have a little bit more structure to them and fair the best on the album. Their depth and texture flow nicely and help draw the listener in, discovering other layers and textures within.
The sound of workers and machines add interesting touches and give the songs a somewhat otherworldliness, like hearing those ancient deities and their heavenly conversations. These vocal samples seem to be the basis for the more sparse/minimal tracks, but they’re altered enough that their provenance isn’t completely obvious. Taking Clould into a weirder direction, the warped words feel very alien and help to reinforce the fact that the sky realm wasn’t always ours to enjoy.
Clould is an intriguing study of the skies through the lens of modern machinery, technology, and industry, shining a different light on the realm that was once only a dream for mortals. While it’s a little uneven, it’s a nice artistic work and is definitely worth checking out. Delving further into the layers reveals a lot more than what’s on the surface and putting the time in to discover what’s underneath is quite enjoyable. Paul Casey
Originali e stravaganti dissonanze popolano i tessuti sonori di Textuur 2, il nuovo lavoro di Jos Smolders (uscito per Crónica Label), un progetto tanto ostico quanto affascinante che sa incuriosire, spaventare e ipnotizzare, secondo capitolo di una serie nella quale l’autore investiga la decostruzione e la frammentazione di suoni strappati dal loro contesto e ricollocati in un puzzle musicale totalmente nuovo.
Textuur 2 non è solo un’altra coraggiosa dichiarazione di poetica di Jos Smolder. Nel secondo volume di questa serie, infatti, l’artista olandese riparte dove si era fermato nel primo ma aggiunge, amplifica e ricama tutto ciò che ancora sentiva necessario affermare. Partendo, come nel caso del progetto precedente, dagli studi di Pierre Schaeffer, uno dei suoi punti di riferimento, Smolders ha tra i suoi principali obiettivi quello di scarnificare il suono fino a renderlo pura astrazione. Persegue questo scopo con astuzia e con sapienza, rendendo i brani superfici dimensionali nelle quali paiono possibili salti spaziotemporali di ogni tipo.
I pezzi di questo lavoro hanno due titoli: vi è “Collection”, che è suddiviso in due parti tra loro intervallate da altre composizioni, e vi è “Permutation”, in dieci capitoli che vanno dalla A alla J. Essi sono la perfetta manifestazione degli obiettivi di Smolders: ritmi completamente imprevedibili e disarticolati al loro interno finiscono per creare un sorprendente equilibrio e un’armonia altrettanto stramba e sghemba. Figli di una precaria e instabile tranquillità continuamente minacciata e violentata, le dodici tessere che animano Textuur 2navigano negli inferi di un mondo ormai privato di ogni qualsivoglia parvenza di innocenza e di speranza.
Come a zattere in un fiume di incertezza, ai capitoli di Textuur 2 ci si affida e ci si vota: il minimalismo lacerante dei primi passaggi di “Permutation” si infrange nelle strane sensazioni che emana la fulminea “Collection 2”, sorta di interludio electro-pop, mentre la totale disintegrazione di “Permutation E” ed “H”, totali tuffi nella sperimentazione sonora più cupa e spiazzante, sono tra le più autentiche e intriganti schegge dell’universo per nulla conciliante che Smolders vuole dipingere con questa sua pulsante serie, un lavoro complicato ma ammaliante, non facile da digerire al primo ascolto ma talmente misterioso e oscuro da invitare a numerose e approfondite esplorazioni. (Samuele Conficoni)
Tauchen MIGUEL A. GARCÍA& ÀLEX REVIRIEGO bei ihrem mit Electronics bzw. No Input Mixer, Feedback & Synth kreierten Heralds de l’hivern (219) wirklich ein in Tarkowskis „Solaris“ und Kubricks „2001: A Space Odyssey“? ‘Vorboten des Winters’ – die Zugvögel auf dem Cover? – , ‘Votivgaben’, ‘Lákhesis’, die Moira, die den Lebensfaden bemisst, und das ganz opake ‘Fubel prelude’ geben darauf keinen Hinweis. Reviriego, der in Barcelona zuvor mit dem Kontrabass sich vor Trakl, Fred Astaire, Mary Flannery O’Connor und Celan verbeugt hat, zitiert Laotse mit ich scheine dumm und umnachtet / schwankend wie das Meer / haltlos wie der Wind / Andere sind geschäftig / ich bin fern wie ein Einsiedler und spricht schlicht von trauriger Musik, nicht bloß als persönliches Empfinden, vielmehr fundamental und existenziell. Darüber kann man zu mit perkussiven, elektronischen oder kristallinen Akzenten beschossenem oder bezwitschertem und seinerseits sausendem, surrendem, dröhnendem Flow erst einmal ganz irdisch brüten. [BA 125 rbd]
MARC BEHRENS führt bei seinem aus Air und Ear gezwitterten Aiear (218, digital) mit düsentriebigen Dopplereffekten und mit „Clould“ (220) in den konjunktiven (could) und assoziativen Raum in und über den Wolken. Mit dem Frankfurter Airport vor Ort, dessen Flugschneisen und den eigenen 36 Flügen als Klangquelle für eine Meditation über die Transformation des Fliegens als mythologischer und märchenhafter Un-‘Möglichkeit’ zum ordinärsten Massentransfer der galaktischen Untertypen Debilitales und Antisapientinales. Dabei werden, statt der einstigen Kommunikation mit höheren Mächten, hier die allfälligen Automatendurchsagen klanglich mitsublimiert, als würde selbst darin, wie in tantrisch-esoterischen Bījamantras, das Göttliche evoziert. [BA 125 rbd]
Diana Combo aka SÍRIA war bereits mit den Kassetten „Cuspo“ und „Boa-Língua“ auf Crónica. Mahe Man / Mau Jeito (217, digital) ist einerseits eine zu Bassdrone, Knisterloops und Stringsound von Jeremy Young (von Sontag Shogun, Cloud Circuit) angestimmte Version von ‘Bote Chin’, einem persischen Liebeslied von Ali-Akbar Sheyda (1880 – 1945), das die ferne Geliebte besingt als chinesische Schöne, mein Mond, mein Idol, mein Messias und Ärztin meiner Seele. Und andererseits der von @C gefertigte Remix eines rührenden Dei mau jeito ao coração, das Síria mit Fado-Feeling zu sentimentaler Orchestrierung von Kaveh Sarvarian angestimmt hat, von der nur das triste Keyboard und zerrüttete Strings bleiben, während der Herzschlamassel auf fast 10 Min. gedehnt wird. [BA 125 rbd]
HANNES STROBL, bekannt durch Tamtam (mit Sam Auinger) oder P.O.P. (mit Reinhold Friedl, Nora Krahl & Elena Kakaliagou), den interessiert bei Transformation Sonor (215, digital) der gleitende Übergang zwischen musikalischen Situationen. Mikrotöne und langsame Glissandi, die er mit electric upright bass und Elena Kakaliagou mit Waldhorn intonieren. Klassischer Dröhnminimalismus also in Niblock-, Tenney-, Radigue-Gefilden. Summ ergo sum. Sound, sound, sound, Sound is all you need. Phantastisch, wie Kakaliagou mit all ihrem Zinc&Copper-Knowhow ihre dunkle Klangwolke triften lässt. [BA 125 rbd]
JOS SMOLDERS präsentiert mit Textuur 3 [Register] (214, digital) & Textuur 2 [IIII – – – -] (216) seine von Pierre Schaeffer und von ‘Yucatan’, einem Gedicht des Minimalisten Carl Andre (1935-2024), angestoßene Untersuchung des Übergangs von Objets Sonore in Objets Musicale, im Hinblick auf deren vollständigen Abstraktion, frei von allen physikalischen und psychologischen Anhaftungen. Während Andre eingeschnappt war über das als Kompliment gemeinte ‘konkret’ für sein Poem, fand Smolders in ‘Weben’ eine Metapher für seine ‘Permutationen’ der Computerstimme in einem Whole Foods-Supermarkts als Basismaterial für 3. Textuur 2 besteht aus rhythmischen Teilen sowie einfachen Sinuswellen-Drones und untersucht Drone für Drone und Break für Break die Extermination von IDM in elektroakustischer Abstraktion. So wie er bei 3 das Ohrenmerk lenkt auf die Degradierung von Menschen zu Kunden und von Kunden zu Register 1, 2, 3…, die nach der Pfeife eines Automaten tanzen. Ob die stottrige Verhackstückung und Modulation des Konkreten zu Sirr- und Wummerwellen, zu Tierlauten oder Meeresrauschen, allerdings dem Siegeszug der Automaten und Idioten… – gibt es eigentlich noch Lemminge? [BA 125 rbd]
Mit Installations: (Re)Verso/Flexo (213) führen Pedro Tudela & Miguel Carvalhais, kurz @C, in ein Esszimmer des 15. Jh. im Museum von Aveiro, vormals ein dominikanisches Frauenkloster, in das sich Infanta Dona Joana, die Tochter des portugiesischen Königs Dom Afonso V., zurückgezogen hatte. Dass klösterliche Leibspeisung einst sublimiert wurde mit der seelischen Erbauung durch das Lesen frommer Texte, hallt in der dröhnenden Annäherung an den Spiritus loci nach im Flüstern von Zahlen, inspiriert durch eingekerbte Platzziffern und die Nummern von Bibelversen. [BA 125 rbd]
Mit „Drinking the Acheron River at Its Source“ (204, digital) ist PHILIPPE PETIT letztes Jahr, seinem 40. als Klangkunstaktivist, bereits auf den Spuren von Dante und Vergil eingetaucht in den Sog, gemischt aus Desire und Poison, der in A Divine Comedy (Crónica 212, 2xCD) in die Unterwelt zieht. Mit „For whom the bell tolls“ und „The dice are thrown“ in die mit Gustave Doré imaginierten ‘Corridors of Hell’, mit Dantes Zeilen aus Computermündern abwärts im Trichter, den Luzifers Sturz bis zum Erdmittelpunkt schlug. Petit durchkreist in 6 Szenen das ‘Inferno’ quasi per aspera – gequälten Schreien, kakophonen Impulsen, perkussiv klopfender, harfender Insistenz, kleinlauter Hoffnungslosigkeit – ad astra. Denn an Satans zottigem Fell entlang erreichen sie wieder das Sternenlicht, wo Dante nach dem Aufstieg auf den sieben Terrassen des ‘Purgatorio’, frei von allen Todsünden, belohnt wird mit der Vision der neun himmlischen Sphären (‘Paradiso’). Der ‘Läuterungsberg’ wird in 3 elektroakustisch knarrenden, jaulenden, dröhnenden, flötenden ‘Cantos’ und eisernen Traktaten ‘besungen’, das Paradies mit 2 präadamitischen Klangbildern mit Vibes, zarten Hornstößen, glockigem, vogeligem Bimbam, wobei die düstere Vorahnung eines Mahlwerks ein Piano melancholisch verstimmt. [BA 125 rbd]
