New release: Vacuamoenia’s “Panphonia”


Panphonia is the sound of the everything, a circular whole that comes out and returns in the reality that generated it.

Panphonia is an electro-acoustic composition based on field recordings of a particular type of abandoned soundscape: the rural villages built during fascism in Sicily, the Borghi; the composition is born to consider as demiurgical actions the interior and exterior side of the matter:
Outside the body of the Borghi, the transient landscape re-occupies the place, lying on the border with a symphony of sounds whose body and shape are in the same materials that wreck the organs of the Borghi, the buildings that return to the earth. Thanks to the panoramic footage and the use of the contact microphones, a double representative dimension is combined in the composition, making the composer and the listener meet in a bridge that is the hub of the two worlds.

VacuaMœnia — from the Latin for empty walls — is a collective of Sicilian researchers investigating the sound environment, starting from the historical, anthropological, social, and bio-acoustical abandonment coordinates, reaching the consideration of the soundscape as a pictorial palette of sounds for assignment of new aesthetic meanings thanks to the medium of recording and electro-acoustic composition. VacuaMœnia was selected for Tempo Reale Collection “Sound at Work” and the symposium “Invisible Places” in Viseu (PT), it has taken part of the FKL Symposium in Oberhausen (DE), SAE Symposium in the University Of Kent (UK), Nuit Blanche in Paris (FR), Klingt Gut! in Hamburg (DE) and Sound and Memories at Goldsmith University (UK). They are currently developing a project for Manifesta, the Biennal of Contemporary Art in Palermo.

Panphonia is now available as a stream or download.

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Soon in Crónica: Vacuamoenia’s “Panphonia”

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Tarab + Artificial Memory Trace’s “Obex” reviewed by Gonzo


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Soon in Crónica: Vacuamoenia’s “Panphonia”

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Simon Whetham’s “Against Nature” reviewed by Oro Molido

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Para la realización de las bases sonoras de estas grabaciones, Simon Whetham se trasladó durante los meses de octubre a noviembre de 2013 a varios lugares de Noruega. Against Nature está dividido en cinco partes donde se explora el rango de frecuencias que va desde lo más extremo (parte 1), pasando por las bajas frecuencias que invitan al aislacionismo y a la melancolía (partes 2 y 3). A través de estas grabaciones de campo transformadas en el estudio somos conscientes de la nueva configuración y sentido que toman cada una de las partes. A veces nos sugieren un ambiente acuático en movimiento, otras una total plenitud entre la luz y las sombras. Esa transformación nos da la facilidad para crear imágenes en relación con esa época del año en Oslo, en donde la luz del día nos seduce por muy poco tiempo. Pese a ello, un lugar tan especial donde las horas de luz y oscuridad pueden desencadenar un total desconcierto, alerta nuestros sentidos a una predisposición de aquello que se ve bajo el reflejo de las estelas luminosas en el cielo. Así lo ha querido constatar en Against Nature, un reflejo de esas enigmáticas experiencias grabadas entre luces y sombras. El don de la naturaleza nos revela situaciones imprevisibles. Rogelio Pereira

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Emmanuel Mieville’s “Juryo: Durée de la vie de l’ainsi-venu” reviewed by Oro Molido


Afincado en la ciudad de París, Emmanuelle Mieville es un artista sonoro que trabaja en el ámbito de las field recordings que posteriormente mezcla y transforma hasta convertirlas en obras electroacústicas donde se explora la geografía del lugar. Así, en Juryo nos traslada a lugares remotos y sagrados. Desde el Monasterio Copan en el Tibet, o una emisora de radio en FM en Hong Kong, hasta un viaje al Japón más ancestral con referencias a la danza Butoh, o los cánticos melancólicos y profundos de una ceremonia de funeral budista. La convivencia entre la tradición y la modernidad es un factor muy apreciable en la cultura nipona. En Juryo nos encontramos desde títulos mutados por la obra de Antonin Artaud en su libro Heliogabale, a la descripción de la luna encantada como se decriben en los mitos fenicios. Una percepción aural que relaciona la vida urbana de las ciudades con la vida salvaje de los entornos sonoros más primitivos y ancestrales.

En cada una de las piezas contenidas en este trabajo, Mieville ha hecho uso de la síntesis modular analógica para realzar las texturas tímbricas, de tal manera que el resultado es un cine para los oidos. La inmersión sonora está asegurada si hacemos uso de unos buenos auriculares. Solo es cuestión de dejarse llevar por los sonidos y descubrir el rango de posibilidades sonoras que se encuentran contenidos en los distintos parámetros que conforman cada pieza. Estamos ante una obra ideal para ser emitida en la radio. En ese sentido, Mieville tiene siempre una idea preconfigurada a la hora de montar sus trabajos como programas radiofónicos que nos transportan a un lugar determinado en el espacio de las ondas hertzianas. Rogelio Pereira

via Oro Molido

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Arturas Bumšteinas’s “Gamelan Descending a Staircase” reviewed by Oro Molido

Gamelan Descending a Staircase
El gamelán es un término genérico que se aplica a un conjunto instrumental. Sus instrumentos más peculiares son los metalófonos de bronce.

Este trabajo que ahora nos presenta el artista sonoro de origen lituano Arturas Bumšteinas, fue grabado en el Museo Etnológico de Dahlem (Berlín) en el transcurso de los meses de verano del año 2013. El título del disco está relacionado con la obra Nude Descending the Staircase nº2, obra futurista realizada en óleo sobre lienzo realizada en 1912 por Marcel Duchamp. Se trata de una extensa composición de 50 minutos que explora la tímbrica de una amplia variedad de instrumentos que forman parte de las orquestas de gamelán que estuvieron disponibles para que Arturas Bumšteinas y el músico balinés Ramunta Atnimar se dedicaran a tocar estos instrumentos de bronce tan peculiares. Unas veces golpeados con palillos, otras con mazas almohadilladas para producir sonidos agudos y amortiguarlos, la tímbrica de estos instrumentos nos transporta hacia formas musicales que van del chamanismo a la música popular, como sucede en el teatro de sombras de marionetas. Un viaje sonoro a Indonesia es lo que nos propone esta obra de Arturas Bumšteinas, que estuvo asesorado sobre la práctica de estos instrumentos percusivos por el maestro Ramunta Atnimar. Un placer para nuestros sentidos. Un trabajo donde se reivindica el valor de una cultura como es la indonesia a través de sus instrumentos de gamelán, adaptándose a otras músicas occidentales bien sea a través de la fusión con otros instrumentos, o mediante la transformación con procesos electrónicos. A buen seguro que Marcel Duchamp estaría emocionado por este homenaje tan sentido a uno de los creadores más versátiles del siglo XX. Rogelio Pereira

via Oro Molido

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New release: Monty Adkins’s “Moeror”

Music takes place in time, but repetition beguilingly makes it knowable in the way of something outside of time … it feels like a different way of inhabiting a passage — a different kind of orientation.

Elizabeth Margulis, On Repeat: How Music Plays the Mind

During significant events in our lives, time seems to stand still or at least pass a little slower. We replay moments over and over in our heads, re-examining every word, every look, every surrounding detail. In Moeror (latin for sorrow or grief), I examine how our memory of events is never perfect, sometimes we embellish, sometimes we mis-remember aspects, causing us eventually to question what is real and fabricated. In the piece, materials repeat, sometimes exactly, at other times with additional processing or temporally shortened, eventually leading to change. In Moeror, I want to explore Margulis’s concepts about why repetition is so psychoemotionally enticing even in melancholic works, and Joanna Demers’s notion that, “tragic art furnishes catharsis or purification … there is a thrill in anticipating the dissolution we know is in store… it is an exquisite tragedy always ending the same way.”

The work is dedicated to Jóhann Jóhannsson and those we hold close in our memory.

  • Composed by Monty Adkins
  • Mastered by Taylor Deupree
  • Cover image by Rob Lycett

Moeror is available as a download.

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Soon in Crónica: Monty Adkins’s “Moeror”

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Simon Cummings’s “間 (ma)” reviewed by Blow Up


Il titolo viene da una parola giapponese (ma) che ha a che fare con parti e intervalli. Cummings in un periodo nero della sua vita ne approfitta per lasciar andare l’immaginazione tra forma e non-forma a partire da alcune registrazioni durante il culto in una chiesa anglicana. Il primo pezzo (i titolo sono lunghi e/ bizzati) ne è un buon esemplo: si parte da una potente campionatura di un organo che trapassa poi una specie di ambient narcolettica. Disco bello ma discontinuo, paradossalmente per una monotona struttura di fondo che tende a ripetersi (da calma a tensione e/o vice-versa). (7) Girolamo Dal Maso

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