A contender for one of the finest releases on Cronica in my opinion. This CD is a beautiful, relaxed and very, very deep piece of work. The track titles are all taken from the work of Marcel Proust and could, conceivably, come across as a little highbrow, yet the music speaks for itself here at all times. Luscious, sculpted layers of beautiful sound create a drifting ambience that’s somehow reminiscent of the work of William Basinski in the way it works. But this has a slightly more asbtract edge with a less linear arrangement style that ebbs and flows with a great deal of beauty. Add to that one piece of spoken word performed by noneother than Colleen and a wonderful live track at the end with a slightly more rhythmic feel and some excellent glitch tones and you’ve a complete, well-rounded and exceptionally lovely piece of work. Bravo.
“Musicamorosa†reviewed by D-Side
Musique morose. Voilà bien un qualificatif qui ne s’applique pas à la musique du portugais Jorge Mantas qui, sous l’identité de The BEautiful Schizophonic produit une musique ambiante et intelligente, dont l’influence majeure se trouve non pas dans la musique, mais dans la littérature, les classiques de Poe et Dante ayant plus de sens pour Mantas que les derniers développements de la scène électronique. Pour Musicamorosa, il s’inspire d’a la Recherche du Temps Perdu, de Marcel Proust, auquel il emprunte les titres de ses morceaux, mais aussi une certaine ambiance surannée, qui s’exhale des drones fins et filés, soigneusement mis en place, dont The Beautiful Schizophonic observe la croissance et le déclin avec l+oeil d’un entomologiste. Parfois presque proche du darm ambient, parfois plus mélancolique, lorsqu’une guitare se joint aux sonorités utilisées, ailleurs superbement minimaliste sur un titre parlé par Colleen et depuilée de tout autre élément, ou cristalin et onirique, Musicamorosa est un album dont la beauté, pour être calme, n’en est pas moins envoutânte, que l’on soit ou non sensible au charme de Proust.
Jean-François Micard
“Musicamorosa†reviewed by earlabs
The first wave of slowly swelling melancholic loop-drone upon starting the disc confirms any preconception one might have concerning the tone of this latest release by The Beautiful Schizophonic (Jorge Mantas). The second wave of likewise loop-droning undulating decay (track 2) consecutively goes on to undermine these first impressions, and thereby confirms the preconception concerning a pertinent dualism pertaining to the artists work (already pronunciated in the “schizophony” of Jorge Manta’s moniker). Consecutive tracks only go further to annul any clear-cut ideas concerning the emotional and ‘conceptual’ aims of this release.
This, then, is not a release single-mindedly aiming at pleasing the affective synapses or the romantical lobe of the human brain. There is definitely a sense of the beatific agony, a dark-romantic thread surging through the whole of this CD; but there is way too much itching, especially on any conceptual level, for this release to be unequivocally deemed ‘beautiful’, ‘romantic’, or even ‘melancholic’. What we do have here, is, to my sensibilities, a truly puzzling, truly intriguing mixture of deep and light ambiences, textures and fissures to appeal to both the heart and mind.
I find my mind turning back to the film ‘Pan’s Labyrinth’ which creates an incessant tension between a fairytale world wherein the youthful protagonist finds herself evermore immersed and the reality of war and torture of mid-40’s fascist Spain. During the course of the film, these two worlds come more and more into conjunction with each other only to in the end become radically disjointed again, leaving a gaping cleavage to be bridged by the mind and feelings of the spectator who is in effect left dangling over this abyss. A same ‘dramatic structure’ seems to me to underly the design of this release here currently under review. There exists a stark discrepancy between the dark abysmal atmospherics, the almost misplaced and seemingly blooper-like ‘outtakes’ and finally the truly heavenly spheres harmonizing with romantic, almost Dante-like sensitivity between which the different tracks on this release undulate.
I don’t know Proust’s oeuvre enough to judge whether this internal, both emotional and esthetic tension reflects an intrinsic characteristic of this author’s work as a whole. I do know enough biographical data, though – the author, bed-ridden due to severe pulmonary and other ailments, either freely choosing or destined for dedicating his creative genius to the recreation of a world which filtered through his neurasthenic sensibilities became a monument to both the most discreet and the most extravagantly lived out individualism – to consider this tension-ridden (or even tension-wracked) character that Musicamorosa evinces as attaining to at least a moment of truthfulness in the representation of these circumstances that surrounded the genesis of Proust’s oeuvre. In an almost Marxist fashion here becomes tangible an unsurpassable chasm dividing the material circumstances which surround the genesis of this great oeuvre from its ideological, esthetic surplus that constitutes the artistic product itself.
This (non)relationship between these different levels is not explicitly thematized in Jorge Manta’s remarks accompanying the release on the Crónica webpage; but his comments on his intentions (his fantasies?) with this release – inferring the analogous circumstances under which the art of both the contemporary laptop artist and Proust (both sitting in solitude, darkness and silence) comes into being – lead to the question as to how such self-willed solitude can become the generative grounds for any work so explicitly dedicated to (romantic) love. Not without any ambiguity, so it appears. (In this regard there are both analogies and discrepancies with the dismissal of the world – in Catholicism basically considered as God’s beneficent creation, aye, a fount of revelation itself – within monastic orders.) But here it is specifically this ambiguity itself which might characterize the true artfulness of both Proust and Jorge Mantas – an ambiguity which, according to Socrates’s parable with which he entertains his pupils in the Symposium, likewise lies at the heart of love itself. Love itself is likewise characterized by its dual nature of both flying towards and fleeing from its beloved.
This posture of the solitary, then, which can be considered the true theme of Musicamorosa, comes at least halfway to attaining what is classically termed ‘true love’.
Mark Pauwen
“Musicamorosa†reviewed by Suburban-Lab
Un romántica sonata de drones y electrónica, en uno de los mejores discos editados hasta el momento por el sello portugués Crónica (que por fin está disponible en Suburban-lab). Un trabajo de frágil belleza y profundamente trabajado, en el su autor, Jorge Mantaas, se ha inspirado en la obra de Marcel Proust (algunas de cuyas frases en “A la búsqueda del tiempo perdido” titulan los temas de este disco) para dar forma a un sonido que recuerda al de William Basinski, sobre todo por las estrategias a partir de las que se aborda la música. Abstracción intangible, pero al mimso tiempo sensualidad y atmósferas morosas (como el tÃtulo del disco) que permiten perderse en los propios pensamientos. Para los avezados lectores de Proust, Cécile Schott aka Coleen lee a mitad del disco un fragmento de “La lectrice”, dando con el tono justo, entre la tristeza melancólica y la alegrÃa de vivir, que inspira este gran trabajo.
“Musicamorosa†reviewed by Terz
Noch eine Art Hörspiel, jedoch voluminöser, wattiger und wolkiger: das Projekt von Jorge Mantas steigt bevorzugt in vergangene Kunstwelten ein, um Verbindendes herauszuschöpfen, gleich ob Poe, Dante oder C. D. Friedrich. Diesmal ist es Marcel Proust geworden, dessen ’Recherche’ in den letzten Jahren eine Hauptinspiration für Mantas war. Die Idee, dass Liebe nur in Trauer gelebt werden kann, geht für ihn über den puren Ästhetizismus weit hinaus. Der lonely Laptop-Bastler sah sich sehr mit dem manisch-isolierten Schreiber verbunden, um die Fragmente der Realität mit dem Fokus auf die unerbittliche Konkretion der Affekte neu zu verbinden. Der Grundvibe dieses Audios ist ruhig, dicht und mysteriös, die Toncluster wandern zwischen Nebel und Klarheit hin und her wie Wolkenbänke, die sich verdichten und auflösen.
“Musicamorosa†reviewed by Bad Alchemy
Im Schatten blühen junge Mädchen pink ? Jorge Mantas jedenfalls ließ sich durch Proust inspirieren, untermischt mit von Tristesse und Abschied geprägten Liebesgeschichten von Poe bis Wond Kar-Wai, Mädchenbildern von Waterhouse und Rosetti bis Rohmer und Deville, aber auch den Erotika-Ikonen der Fotografen Guido Argentini und Roy Stuart. Mein erster Eindruck – Bilitis – war also gar nicht so abwegig. Ein Computermönch träumt von Sensuality & Sadness und schon treibt Sublimation delikate Blüten. Gefühlskritisch bekommt im Halbschatten einer künstlerischen Sensibilität gleich etwas Sublimes. Musik als Geliebte, umsponnen von einer Delectatio morosa, der Lust an sündigen Vorstellungen ? Fast alle Titel stammen aus Prousts Die Gefangene. Colleen spielt dazu La Lectrice und alles wird gleich “Pariserisch”. Nicht Lukas, der Hl. Antonius ist der Schutzpatron der Künstler. Das ist nicht halb so sarkastisch, wie Dionysius als Nothelfer gegen Kopfschmerzen. Ich schwanke, während Mantas mollige Drones mich umschweifen und verführerisch ihre Gestalt wechseln, zwischen Kopfzerbrechen und Gedankenverbrechen – wie denn auch anders, wenn eine Musik gleichzeitig so schön, fatal und schizophon daher kommt. Ach wie so schwelgerisch öffnet der Laptop seine Speicher, auf deren Grund man auf Wagners Liebestod und Debussy stoßen würde. Was gerade noch knirschte wie Sand oder schäumte wie die Brandung um Aphrodites Knöchel, ist nun blinkende Gitarre, dann wieder eingedampftes orchestrales Rauschen. Als Encore folgt ein ausführlicher Remix durch @c, schnüffelnd wie eine Maus, die rosige Nackedeis wittert.
“Hidden Name†reviewed by Bad Alchemy
Hidden Name (Crónica 027), eine Zusammenarbeit von STEPHAN MATHIEU & JANEK SCHAEFER, entstand in Manor Farmhouse, Child Okeford, dem südenglischen Domizil von Sir John Tavener, Englands Echo auf die spirituellen Musiken von Strawinsky, Messiaen und Pärt. Die Erklärung dafür liefert der Mädchenname von Taveners Ehefrau Maryanna – Schaefer. Janek Schaefer, Jahrgang 1970, hat sich seit Mitte der 90er zunehmend profiliert als Fieldrecorder und Turntablist mit einer Reihe von Releases auf (K-RAA-K)3, FatCat, Audiosphere, SIRR.ecords und dem eigenen AudiOh!-Label und nicht zuletzt durch seine Kollaborationen mit Robert Hampson (Comae, 2001) und Philip Jeck (Songs For Europe, 2004). Mathieu, 1967 in Saarbrücken geboren, spielte Ende der 90er Drums & Electricity mit Stol (w/ Olaf Rupp), bevor er sich auf die Elektronik konzentrierte und beginnend mit Wurmloch Variationen (2000) und weiteren Veröffentlichungen bei Ritornell, Brombron & Korm Plastics, Lucky Kitchen, Fällt, Mutek, BiP HOp, Häpna oder ebenfalls SiRR.ecords sich als Landschaften- und Atmosphärendigitalisierer profilierte. Der dröhnminimalistische Zusammenschluss mit Schaefer ist getränkt mit der Ferienstimmung im idyllischen Child Okeford und nutzt auch Taveners Sammlung von LPs und Instrumenten, klassischen wie exotischen (Sitar, Singing Bowls, Bells), um die Erfahrungen und Stimmungen dieser Woche einzuschmelzen. Auf Taveners Spuren erklingt ein ‚Quartet for Flute, Piano and Cello‘, eine ‚Fugue‘, das verregnete ‚Belle Etoile‘. Die weißen Schwingen des Sounds tragen einen ans andere Ende der Welt (‚Maori Love Songs‘), ab in den ‚Cosmos‘, zu ‚The Planets‘, auch wenn dazu nur ein Tonarm durch LP-Rillen furcht. So scheint sogar Sir Taveners Faszination durch Blake und Russisch-Orthodoxe Mystik mitzuschwingen in Hidden Name (Laurent Mettraux hat 2002 sein mystisches Oratorium ebenfalls Le Nom Caché genannt), wenn Mathieu & Schaefer uns niederknien lassen vor dem Throne of Drones – jeder Ton ein Nachhall des Urklangs Om/Aum. Bevor dieser feinstoffliche Wurmbefall mich innerlich verflüssigt, schnell eine Radikalk3“ Semi Prima Vista z.B., mit Olaf Rupp & Rudi Mahall!
“The Wayward Regional Transmissions†reviewed by D-Side
Au fil de ses réalisations, le musicien et vidéaste israélien Ran Slavin n’a de cesse d’explorer la situation complexe de sa région d’origine, écartelée entre deux cultures, deux religions, mais aussi entre désert et plages, entre ville et campagne, entre tradition et modernité. Un monde d’oppositions, pas toujours aussi binaire qu’il paraît, dont Slavin rend compte sur The Wayward Regional Transmissions à travers des titres mêlant étroitement musique traditionelle et glitch numérique, les lamentations au bulbultarang d’Ahuva Ozeri (une star du genre en Israël) se trouvant ainsi imbriquées dans des vagues de crépitements, découpées en minuscules fragments ici ou mises au premier plan ailleurs, comme agrandies, Slavin se concentrant sue un détail, un son de corde qui vient occuper tout l’espace et se répéter de manière obsessionnelle. Au croisement des mondes, par dessus la frontière de l’ignorance et de l’incompréhension, la musique de Ran Slavin prouve, brillamment, que lá création peut et doit s’affranchir des limites ethno-politiques du monde pour définir de nouveaux territoires, plus libres et plus ouverts.
Jean-François Micard
“Hidden Name†reviewed by Liability Webzine
En terme d’ambient, peu aujourd’hui arrivent à faire évoluer un genre qui semble être rendu à un point de non-retour. Cela n’empêche en rien de voir nombre de disques sortir et qui ont bien souvent cette beauté glaciale et l’imprégnation d’espaces sonores infinis. Stephan Mathieu et Janek Schaefer se sont fait depuis plusieurs années déjà des spécialistes de ces plongées en apnée qui se révèlent être toujours aussi fascinantes même si, à chaque fois, on pense avoir tout entendu sur la question. Les deux hommes se sont rencontrés pour la première fois en 2002 lors du Mutek, le “festival international de musique, son et nouvelles technologies” qui a lieu tous les ans à Montréal, et se sont suivis dans différents évènements musicaux par la suite. Finalement, c’est l’année dernière, lors du Musica Genera Festival (Pologne), qu’ils ont décidé d’allier leurs talents pour un projet commun. Ils entreprennent alors de s’enfermer pendant une semaine dans un manoir du sud de l’Angleterre (le Manor Farm House qui n’est autre que la demeure John Tavener) en utilisant toute forme d’instruments qu’ils pouvaient trouver. Ainsi Mathieu et Schaefer ne se sont pas contentés d’enregistrer de longues nappes électroniques mais ont usé de nombreux instruments acoustiques en même temps que des enregistrements sonore comme la simple respiration d’un individu ou des sons environnementaux pris au petit matin.
Donc oui, Hidden Name est principalement un disque d’ambient mais pas seulement. Il intègre dans son processus des ingrédients propres aux concepts de la musique acoustique, balayant ainsi le cliché éculé d’une musique rectiligne et sans beaucoup d’âme. Hidden Camera, bien qu’introspectif, se revèle être beaucoup plus chaleureux qu’il n’y paraît. Il distille une musique enrobante qui, avec ses différences de tonalités, amène l’auditeur à se plonger pleinement dans cet univers aussi curieux qu’envoûtant. La rencontre entre Stephan Mathieu et Janek Schaefer a donc porté ses fruits. Mais pouvait-on en douter tant ils ont marqué de manière importante le genre ces dernières années en multipliant les projets les plus audacieux ?
Fabien
“The Wayward Regional Transmissions†reviewed by Gaz-Eta
Following his excellent reconstruction of Jewish culture in Cracow and industrial revolution revived in Nowa Huta on “Into The Void”, Ran Slavin continues on his quest in audio-art on his latest release. Moving smack centre into the Middle East region, he brings up ghosts of past and present. Accompanied by a booklet full of detailed aerial photographs [and regular photos too], Slavin’s sound is about the micro as opposed to the larger picture. When he mutates the bulbultarang [as played by Ahura Ozeri] on four of the album’s eight tracks, the sound is unreal. Of course, the instrument is still recognizable, but the technique that Slavin uses to cut up the sounds into little pockets of audible air is phenomenal. It’s as if one were dining at a fancy buffet but was only allowed to eat certain foods slowly, without having visibility or access to other food groups. Imagine someone playing with a fader – turning level up and down incessantly for a long span of time – while some highly rhythmic Arabic music was being played all around. Much of the sounds processed by Slavin’s electronic equipment and computer are jumpy and full of static. Large portion of this is granular and can be compared to lightly buzzing radio waves. “Shelters and Peace” features a constant flickering light beat [that actually sounds more like a light switch] that is wrapped around a scan of satellites, radio waves and various noises. The most rhythm oriented piece on the album is “DAT Beats”, which features a cut’n’paste of various street musicians playing their hearts out. Moshe Eliahu’s ud on “Jericho 6 AM” is wrapped up tight in a salad of snaps, crackles and bleeps, but in the end, still holds on to its majestic beauty. This isn’t an album for everyone. I can only recommend it to those with an accepting ear and an open mind.
Tom Sekowski