Luca Forcucci’s “Terra” reviewed by The New Noise

Abbiamo incrociato la traiettoria artistica di Luca Forcucci con il precedente e riuscito esperimento di field recording totale De Rerum Natura, esperienza sonora di immersione tridimensionale nella foresta pluviale brasiliana. Nonostante il contenuto acustico in quell’occasione fosse perfettamente intellegibile, già si intuiva una sensibilità “manipolatoria”, desiderio di aumentare le possibilità sonore della realtà attraverso lo zampino della tecnologia. E considerando il curriculum denso di traguardi in ambito computer music, musica elettroacustica, land art e installazioni, non è certo una sorpresa.

Terra, edito dall’etichetta Portoghese Crònica (molto attiva e valida nei vasti territori semoventi del drone, elettroacustica, improvvisazione, ambient) è una “composizione per violoncello, live electronics, frammenti e territori”, stando alle parole dello stesso Forcucci. In un riferimento deleuziano non troppo celato, il concetto della deterritorializzazione e riterritorializzazione domina il fluire del disco e, a ritroso, la sua stessa origine. I movimenti dinamici di allontamento-scontro avvengono fra i vari attori dell’opera: Forcucci stesso, Noémy Braun al violoncello, Lucas Gonseth alle percussioni, schegge di field recording provenienti da Los Angeles, Recife, Beirut e la post-produzione del materiale registrato. Il divenire-suono degli artisti e delle artiste è ben evidente nell’ultima traccia del disco, “Firmus”, la più complessa e stratificata, dove il dialogo fra percussione e violoncello prima invade lo spazio dell’ascolto con la violenza materica che solo un field recording può fare, per poi stemperarsi nella post-produzione di Forcucci. Anche i bozzetti sonori raccolti in diverse aree geografiche subiscono (o determinano?) lo stesso processo di “divenire” scontrandosi con le altre fonti, fondendosi e ritraendosi. Tutti questi fenomeni dinamici, le forze risultanti dall’interfaccia fra elementi diversi, il processo di deterritorializzazione e riterritorializzazione con cui i vari soggetti si studiano, si possiedono, si appropriano di spazi e tempi dell’ascolto, concorrono a definire Terra e la sua peculiare individualità estetica.

Deleuze e Guattari sono talmente citati nel contesto della musica contemporanea ed elettroacustica da risultare quasi indigesti, ma bisogna ammettere che mutuare dal loro pensiero strumenti per mappare i vettori estetici e concettuali di ciò che in musica viene pensato e generato, può portare a risultati entusiasmanti. In questo caso specifico, almeno.

Terra è un disco molto complesso ma anche molto piacevole, mai banale, accidentato nella sua narrazione non lineare. Un piccolo mondo da ascoltare e riascoltare, magari lasciandosi guidare dai vettori di forze che si sprigionano dallo scontro fra i suoi innumerevoli piccoli frammenti. Fabio Fior

via The New Noise

New release: @c’s “Installations: Octo _ _ _ _ (2019)”

During their collaboration as @c, Pedro Tudela and Miguel Carvalhais developed several installations, often site-specific and ephemeral works. This series of releases in Crónica is dedicated to revisiting these installation works, occasionally with situ recordings, but also further exploring the computational systems developed for the works, archival materials, and other assets, presenting new compositions that unfold from each installation. This series is accompanied by the book Installations / Instalações also published by Crónica.

The fourth release in this series is Octo _ _ _ _, after the permanent installation in Esposende, Portugal. Octo _ _ _ _ is an ensemble of modules on the dunes, standing between the city and the beachside. It is a piece that coexists with a constantly changing environment, a myriad of sounds forming a soundscape to which it also contributes. It blends with the surroundings, seeking to integrate with the existing elements, spreading over a wide area so sounds can be perceived from various perspectives and scales.

Installations: Octo _ _ _ _ (2019) is now available for download or stream via the usual channels.

Marla Hlady & Christof Migone’s “Swan Song” reviewed by Neural

There is a whole line of field recordings that are not “found” at all; that is, they are not the result of psychogeographic wanderings, but, on the contrary, are carefully prepared and have well-defined places and situations as their object. During a three-month artistic residency in the summer of 2019 in Glenfiddich (Dufftown, Scotland), Marla Hlady and Christof Migone chose to record the sounds of a whiskey distillery, starting with two large copper stills that were recently removed. The operation to remove the stills was not the simplest, given the decidedly large dimensions of the two containers, which required the use of a crane to extract them from the roof. The swan-neck portions of the old stills were then cut by a master coppersmith and used as the main components in a kinetic sound sculpture. When moving into the spaces adjacent to the sculpture, sensors activate a series of electronic mechanisms that rotate thin metal rods on circular axes. Through these two swan-neck components, the recordings made throughout the distillery are reproduced: the water flowing through mounds, the noise emissions arising from the barrels during normal work sessions, the bottling noises and those of the liquids being moved from one part of the warehouse to another. The two ends of the tubes act like a pair of giant gramophones that amplify each of the recordings made. Some of these recordings are also superimposed and mixed. The sounds obtained by a choir composed of the distillery staff are particularly important, voices grouped according to the years of service of each of the participants. Each member of this improvised choir was asked to produce two sounds, one as loud as possible and the other extremely quiet, maintaining the vocal emission for as long as possible. The overall effect is truly impressive and the ultimate indecipherability of the sounds makes us reflect on the work and materials that come together in often surprising and inscrutable ways, distilled with great care, skill and passion. From this ingenious project all the materials, sound and physical objects were subsequently used for an installation at the Christie Contemporary in Toronto. Aurelio Cianciotta

via Neural

New release: Enrico Coniglio’s “Luci Fisse + Luci Erranti“

We’re happy to announce Enrico Coniglio’s new release in Crónica, “Luci Fisse + Luci Erranti”, a work where Coniglio continues to explore sonic territories that blur the lines between ambient, drone and experimental findings. Thsi EP seamlessly builds on the sonic tapestry established in his The Grand Parade of Hostile Winds, released in 2019, and is a captivating journey through two tracks, each soundscape capturing moments of stillness and wandering illumination.

Enrico Coniglio is a guitarist, environmental sound recordist and sound artist with an interest in landscape aesthetics. Graduated in Town and country planning (IUAV), his research aims at investigating the loss of identity of places and the uncertainty of the territorial evolution, paying particular attention to the context around the Venetian lagoon. His music draws from a wide range of stylistic influences, combining elements of ambient, drone, modern classical, field recordings and electro-acoustic drifting.

“Lisboa Soa, Sounds Within Sounds” reviewed by Music Map

Lisboa Soa è un festival di sound art, cultura dell’ascolto ed ecologia. L’obiettivo dichiarato di questa rassegna è la valorizzazione della musica contemporanea che abbia anche un significato sociale ed ecologico, in modo da produrre una maggiore coscienza ambientale e dell’impatto determinato dalla nostra presenza.

Nel 2021, dopo cinque edizioni, Lisboa Soa ha deciso di commissionare quattro composizioni ad altrettanti artisti portoghesi con lo scopo di creare qualcosa che parlasse di memoria, ma guardasse anche al futuro. Gli artisti coinvolti sono stati Joao Castro Pinto, Sara Pinheiro, Mestre André e Ana Guedes, ed il risultato finale è uscito per la celebre Crónica Records.

“Efflux”, firmato dal primo dei quattro, è un viaggio di quasi dieci minuti fra field recordings e inserti elettronici, con un finale drone un po’ cupo. “Do que Ressoa” di Sara Pinheiro, invece, segue un incedere meno lineare, ma è ammantato dalla stessa vaga sensazione di oscurità, fino al climax finale.

“No Earlids” ha una struttura ancora più articolata e, insieme con “Splicing_archives”, vuole inserirsi in una narrazione volutamente straniante, perché la presa di coscienza non può che passare per lo shock e una profonda riflessione collettiva.

In questo senso, “Lisboa Soa – Sounds within Sounds” è un disco complesso e politico, che non può essere compreso realmente senza conoscerne le premesse e le idee alla base della sua creazione. (Piergiuseppe Lippolis)

via Music Map

Miguel A. García’s “Eraginie” reviewed by Music Map

Chi ha giocato al primo ”Silent Hill”? Un videogioco del 1999 che si incentra sull’orrore psicologico, in cui un uomo si ritrova in una città fantasma, dove accadono cose inquietanti nella nebbia. “Silent Hill” è stato apprezzato anche da David Lynch, tanto per dire che di che atmosfere parliamo.

Miguel A. García, che si fa chiamare anche Xedh, è un direttore artistico di eventi di musica sperimentale, come lo Zarata Fest. Vive a Bilbao, e qui ci porta nelle viscere del suono con “Eraginie”, uscito per Crónica Records, album formato da quattro tracce di field recording. Il primo brano, “Vri seg” ci ambienta in un ipotetico videogioco, ambientato fra detriti spaziali. Frammenti di materia che vagano nel vuoto.

Anche la successiva “Harmattans” è così, ma c’è un fluido costante, che funge da collante degli elementi. Non c’è ritmo, ma micropulsazioni che rendono dinamico lo sviluppo acustico. Nei 14 minuti, gradualmente, accadono tante cose diverse, verso la fine si sentono in lontananza tasti di pianoforte, in mezzo a segnali radiofonici. “Roh” è un fangoso assemblaggio di battiti, sembra di ascoltare un organismo vivente dal suo interno, nei processi chimici e cellulari. Infine, “Stellaire” ci riporta quel “fluido” del secondo brano, un liquido cristallino in mezzo a ceneri di rumori sbriciolati.

È un viaggio intenso, scorrere e lasciarsi scorrere da questi suoni. Un’esplorazione della materia, di cui siamo composti e circondati, tradotta per l’udito. (Gilberto Ongaro)

via Music Map

Bruno Duplant’s “Sombres Miroirs” reviewed by The Sound Projector

Another splendid work by Bruno Duplant, one of my current personal favourites of enigmatic and sometimes minimal composition. His Sombres Miroirs (CRONICA 188-2022) is, by his standards, positively teeming with activity and events, and in this floating richness we can hear everything from backwards orchestras to uncertain cosmic gyrations – planets spinning or nebulae drifting into the distance. Profound, too, are the thoughts of the composer himself who conceived and executed this fascinating suite in two parts; he muses, not without some melancholy, on such deep matters as nature, humanity, civilisation, and the fate of the planet. What perceptions does he come away with? “Dark in my eyes and embittered in my heart,” comes the stern reply. The overall effect of the composition isn’t intended to induce unhappiness, however, and he takes things as a cosmic cycle where “hope and despair [move] in ever-recurring successions”. More than once, these “dark mirrors” put me in mind of my beloved Ligeti, showing Duplant can successfully deliver the micro-tonal thing without straying into ambient gloop or soppy drone. I wonder if it really is orchestrated, or made with tapes and keyboards? Either way, a beautiful work for gazing into the abyss at the heart of everything. Glory be! (13/07/2022) Ed Pinsent

via The Sound Projector

Morten Riis’s “Lad enhver lyd minde os om” reviewed by The Sound Projector

Quite nice short tape experiments from Morten Riis on his cassette Lad Enhver Lyd Minde Os Om(CRÓNICA 186-2022). He did it using modified four-track cassette recorders and his own home-made synths, although the press notes are a little short on specifics, and refer us to mysterious processes such as “media and the human-object participatory democracy”. I suppose this may mean something about the opportunities afforded by technology which have opened up his creative imagination to some degree. The main compositional device appears to be a form of layering, where he makes so many noises and textures that we can’t discern where the original tapes might have been sourced. A painter, blending colours on a canvas, may hope for similar results. There’s a muffled and disjointed quality to the results which is not unpleasant; the title refers obliquely to the possibility of one sound reminding us of something else. I like the brevity of these pieces, but the album doesn’t amount to much more than a series of sketches, vaguely suggestive of other possibilities. Riis comes to us from his studies at Aarhus, and has published on the subject of mediation in sound. (13/07/2022, Ed Pinsent)

via The Sound Projector