“The Wayward Regional Transmissions” reviewed by DMute

En compagnie d’Ahuva Ozeri, joueuse de bulbul tarang (autrement appelé banjo indien), et du oudiste Moshe Eliahu, Ran Slavin rêve de mettre à Tel Aviv la main sur une musique syncrétique, reflet d’un monde que l’on survole, quiet, quitte à parfois se faire rattraper par la réalité crasse de télescopages faisant partie des risques.

Parti au son mesuré de cordes répétitives déposées sur la toile d’une électronica minimaliste (Village), Slavin dérive d’abord au gré d’inspirations sûres: combinaisons de structures rythmiques minuscules et d’une guitare progressant sous réverbération (Wayward Initial) ou mélodies lointaines espérant se faire une place parmi les boucles bancales et les graves distribués à distance régulière sur Jericho 6AM.

Mais, trop assuré peut être, le voici abandonnant son folklore inventé pour le troquer, qui plus est, contre une ambient sans charme (Silence) et ultra-naïve (DAT Beats). Remis de sa chute, il réussit à faire demi-tour et retrouve sur Hagalil les rivages sûrs décrits en ouverture de The Wayward Regional Transmissions, album recevable que le brouillage radio passager aura bien failli perdre.

Grisli

“Lengvai / 60 x one minute audio colours of 2kHz sound” reviewed by Geiger

Mange kedelige ting er i tidens løb blevet lavet i avantgardens navn, men som Brian Eno har pointeret, så kan man sagtens glæde sig over, at der er nogle, der laver de helt ekstreme og abstrakte lydeksperiementer, også selvom man ikke nødvendigvis selv orker at høre dem. Der er stadig tale om en slags musikalsk grundforskning, hvis resultater siden kan vise sig brugbare i helt andre og langt mere givende sammenhænge. At sige, at der er tale om ”grundforskning” er samtidig det absolut pæneste, man kan sige om Gintas Ks 60 x one minute audio colours of 2kHz sound, selvom forskningen samtidig må siges at være så banal, at det er svært at forestille sig, at den nogensinde ville kunne bruges til noget som helst. For en halvtreds år siden eller mere, hvor simple elektroniske tonemanipulationer stadig var en relativt ny ting, ja, der kunne det måske have været brugbart, men den dag i dag er det ærlig talt svært at se, hvem der har brug for – endsige kunne finde på at høre – en hel time med en 2 kHz-tone, som mere eller mindre systematisk køres gennem en række digitale modulationer, med en ny hvert minut.

Det er måske ikke teoretisk umuligt, at der kunne komme noget godt ud af denne tilgang, man kan trods alt komme ret langt omkring rent lydmæssigt ved modulation af rene toner. Imidlertid går Gintas K meget puritansk til sagen, og mere end halvdelen af værket lyder som et prøvebillede hørt med forskellige mængder af ørevoks i ørene. Dette kombineres så med passager, hvor der er lidt mere ”gang” i den, hvilket stort set vil sige forskellige former for simpel puls i varierende hastigheder, og momentvise udbrud af støj. Ud af den time det hele varer, er der måske alt i alt en fire-fem minutter, hvor det tangerer noget let stemningsfuldt. Resten er endnu mere dræbende kedeligt, end man havde troet muligt ud fra det teoretiske udgangspunkt.

Så er der langt mere at komme efter på Lengvai, den første halvdel af den dobbelt-cd, som 60 x one minute udgør anden halvdel af. Også her er der tale om abstrakt atonal ”lydkunst”, blot med den markante forskel, at numrene har fået lov til at udvikle sig som lange, flydende og varierede forløb i stedet for at være underlagt en benhård teoretisk spændetrøje. Gintas K viser sig her som en fin repræsentant for hybrid-stilen mellem minimalistisk glitch og atmosfærisk støj, beslægtet med navne som Pan Sonic og Pixel, og fyldt med skærende blip-lyde, mørkt rugende loops og hakkende digitalfejl-grooves. Intet af dette er videre originalt, og Lengvai er samlet set også lige lidt længere end det har godt af, men den musikalske kvalitet er ikke desto mindre ganske høj, og det bliver aldrig decideret kedeligt eller overflødigt – højst en smule anonymt i perioder. For tilhængere af stilen skulle der således nok være noget at komme efter, hvis de ellers kan bide i sig også at skulle betale for 60 x one minute i samme ombæring.

En anden plade, som fremstår splittet mellem interessant avantgarde-electronica og et lidt for dominerende teoretisk koncept, er Gescoms MiniDisc. Splittelsen opstår dog i dette tilfælde, fordi værket – oprindeligt en eksklusiv mini disc-udgivelse fra 1998 – nu genudgives på cd, og dermed i nogen grad underminerer sit eget koncept. Den originale ide var, at man skulle benytte mini disc-afspillernes avancerede og mere eller mindre selvgenererende redigeringsmuligheder til at skabe en musik i konstant forandring; en plade, som blev sat sammen på en ny og uforudsigelig måde, hver gang man hørte den. Følgelig indeholdt MiniDisc heller ikke virkelig ”færdige” kompositioner, men i stedet en lang række korte, åbne fragmenter, skabt til at kunne køre i loop eller blive kombineret på kryds og tværs. Om denne idé så rent faktisk fungerede i sin oprindelige form, forbliver en hemmelighed forbeholdt de få, som har dyrket både mini disc-formatet og hardcore avanttronica, men overført til en almindelig, sammenhængende cd, uden det interaktive element, ja, der bliver det mildt sagt en blandet fornøjelse.

To tredjedele af Gescom, i hvert fald i denne udgave, er identiske med Autechre, og man kan måske lidt få den mistanke, at det netop er Autechres store og trofaste fanskare, der sigtes efter med cd-udgivelsen af MiniDisc. Det er næppe alle Autechre-hoveder, der fik fingre i originalen, endsige havde en tilstrækkelig avanceret mini disc-afspiller til at få det optimale udbytte ud af den, og nu virker det så som om, gruppen har erkendt, at konceptet måske alligevel var for avanceret for almindelige dødelige, og følgelig opgiver de de fine kunstneriske fornemmelser og udgiver skidtet i et format, hvor alle kan være med – uanset om musikken så er skabt til det eller ej. Selvom enkelte passager fremstår som forholdsvis færdige numre, så består udgivelsen stadig mest af korte, abrupte bidder, som ofte lyder som mere eller mindre tilfældige afprøvninger af diverse digitaleffekter.

Man kan så påpege, at der inden for traditionel elektronisk avantgardemusik er en lang tradition for den slags opklippede og kaotiske lydbilleder, og det er da også langt mere oplagt at klassificere MiniDisc som netop traditionel avantgarde, snarere end den electronica, man typisk forbinder Autechre-projekter med. Når det er bedst kan det minde om Vangelis’ sælsomme eksperimentalmusik på det underkendte Beaubourg-album – mystisk, uvirkeligt, drømmende – men for det meste lyder det desværre mere som glitchgenerationens lidt for billige udgave af klassisk musique concrete. Det ville have været langt bedre for projektet, hvis de mest uinspirerede ligegyldigheder var blevet luget ud, og det bedste i stedet var blevet splejset sammen til en kortere og mere gennemtænkt helhed. Det kunne faktisk være blevet en ganske hæderlig udgivelse, som ikke havde behøvet stå i skyggen af det oprindelige koncept, endsige være så ujævn og frustrerende at komme igennem, som det nu er tilfældet.

Jannik Juhl Christensen

“Hidden Name” reviewed by Etherreal

Stephan Mathieu et Janek Schaefer, deux artistes habitués de ces pages, mais que l’on aimerait aussi croiser un peu plus souvent, et cet album va d’ailleurs nous faire regretter de ne pas les voir plus régulièrement en concert. Histoire de les (re-)situer, Stephan Mathieu était un habitué du label Ritornell, plus récemment croisé chez Häpna, musique ambient puisant son inspiration tous azimut (field recordings, instruments acoustiques, électronique). Janek Schaefer quant à lui marque généralement les esprits par ses concerts avec une platine vinyle à deux bras, travail de mixage, tonalité ambient pour lui également.

Il était finalement normal que les deux hommes se rencontrent et se trouvent des points communs. Se croisant à différentes occasions, concerts et festivals, ils jouent ensemble pour la première fois au printemps 2005, et ce premier essai leur donne envie de poursuivre cette collaboration. Quelques mois plus tard ils passent une semaine ensemble au sud de l’Angleterre, dans la maison d’un compositeur de musique classique, trouvant là de nombreuses sources sonores (piano, violoncelle, trompette, clarinette, disque trouvés dans le grenier) auxquels s’ajoutent des field recordings effectués aux alentours de cette maison.

Que ceux qui seraient allergiques à certains des instruments précédemment cités se rassurent, les traitements sonores rendent souvent ceux-ci méconnaissables. Presque tous les sons opèrent dans un même mouvement, un même objectif qui consiste à créer de grosses nappes oscillantes, aux harmoniques riches, un son envoûtant, occupant tout l’espace sonore. Qu’elles soient composées de courtes boucles répétitives ou d’une seule et même nappe, chacune des onze pièces de cet album est un petit bijou aux milles éclats, une mer infinie aux mouvements incessants. Chaque nappe est composée de plusieurs éléments qui ont leur vie propre et procurent un renouvellement incessant. Parfois quelques bruitages rompent une éventuelle monotonie, des field recordings placés au premier plan comme un clocher sur les deux premières pistes, les craquements de vinyles apportent une certaine chaleur, quelques extraits de vieux disques se distinguent sur Quartet For Flute, Piano and Cello au final particulièrement sombre, mais le bouquet final reste The Planets, une pièce de près de 20 minutes d’ambient ample et planante.

On ne s’attendait pas à voir ces deux “têtes d’affiche” chez Cronica, et cet album est effectivement un disque à part sur le label portugais. Mais Hidden Name occupera aussi une place à part dans notre discothèque.

Disque indispensable.

Fabrice Allard

“Leise” reviewed by Liability

Freiband est l’incarnation, on le sait, de Frans de Waard (Kapotte Muziek, Goem, Beequeen) mais pour ce nouveau projet on pourra l’associer à sa fille, Elise, qui, pour une grande partie, est responsable de ce que contient ce disque. Si Mark Nelson s’était servi de sons prénatals, de Waard a utilisé la spontanéité de son enfant, la laissant se servir d’objets aussi divers que variés qu’il utilisait pour Kapotte Muziek. L’expérience est d’autant plus étonnante que Elise, dont le nom servira en anagramme pour le titre de l’album, avait trois ans à l’époque des faits. On pourrait légitimement penser qu’une enfant de cet âge n’est pas en mesure de créer une musique réfléchie et en adéquation avec un concept musical donné. Ici Frans de Waard l’a juste laissée aussi longtemps et aussi librement que possible au milieu de ses instruments. Bien sûr, le matériau brut ne pourrait rien donner de probant. Frans de Waard a donc eu tout le loisir de retravailler les divagations sonores de sa fille afin de créer ce très abstrait Leise.

Comme on pouvait s’y attendre, Freiband s’est vite dirigé vers une veine électronique minimaliste, donnant ainsi une touche électro-acoustique à l’ensemble. Mais même si, de sa part, on n’est guère surpris par le résultat, on se laisse malgré tout piéger par la maîtrise des traitements sonores. Si on reste dans le giron minimaliste et abstrait, Freiband sait faire une musique pointilleuse qui prononce les détails avec un soin particulier. Entre une musique presque sussurée et une volonté de rendre harmonieux ce qui, de prime abord, ne l’était pas forcément, Frans de Waard a fait la preuve, une fois de plus, qu’il fait partie des meilleurs tailleurs de sons actuel. Même si on le savait déjà, le Hollandais nous rappelle, à juste titre, que tout peut être transformé, restructuré et peut avoir une fonction différente de celle à laquelle il était déstiné. De ce fait, Leise n’en est que plus délectable et nous apparaît comme le témoin d’une musique qui ne cesse de se ré-inventer.

Fabien

“Leise” reviewed by ultrasonica.it

Un po’ troppo estremo questo terzo lavoro di Frans de Waard, elettroacustica allo stato ‘quasi-puro’ creata manipolando le registrazioni fatte alla piccola figlia Elise, intenta a giocare con oggetti metallici, carta, bacchette e altri ‘soprammobili’ vari… in definitiva un noiosissimo album di elettronica ‘pseudo-colta’ fatto perlopiù di ‘sfrigolii’ e battimenti. Spero non me ne voglia Freiband! Trovo che album come questo siano assolutamente inutili se non in un contesto di performance audio-visive dove almeno l’occhio ha la sua parte. Potrebbe essere interessante vedere come opera in un contesto live, giusto per avere un’idea dei procedimenti e delle tecnologie usate che sono senz’altro più interessanti del suono proposto.

“Leise” reviewed by bodyspace.net

Quando a Crónica parecia prestes a garantir uma escuta estável e sedativa, a partir de um disco criado com base num contexto terno e familiar, eis que Leise veda abruptamente o estabelecimento de qualquer empatia imediata entre a presença electro-acústica de Freiband (projecto excepcional do holandês Frank de Waard) e de quem o escuta. Além de representar o seu terceiro disco, Freiband é também um conceito mutável em performances ao vivo e em sessões várias (inclusive uma cedida à recomendável rádio VPRO de Amsterdão). Assim sendo, Freiband respeita essencialmente à flexibilidade que podem assumir, no processamento em laptop, os sons captados à filha de três anos, Elise de Waard (note-se o anagrama do título), que teve à sua disposição instrumentos musicais e não-musicais normalmente associados ao trabalho do mentor paternal no projecto Kapotte Muziek: pedaços de metal, papel, paus, plásticos e outra tralha. Fica-se pelo contexto e associação geracional o que de mais fácil se possa descobrir por aqui, pois Leise representa indubitavelmente das mais desafiantes escutas com o selo Crónica. São de digestão demorada os crípticos desafios a que Freiband dá forma com crepitantes detritos digitais, elementos electro-acústicos e inconstantes vagas mecanizadas em loop. Alguns exercícios relembram o vácuo em efervescência da no-input board de Toshimaru Nakamura, outro – “Daisee” – estabelece um paralelismo anómalo entre um contínuo horizonte ambient e uma insignificante ameba de digitália que não chega a abandonar o seu ponto de partida.

Miguel Arsénio

“Hidden Name” reviewed by Signal to Noise

German Stephan Mathieu may work with computers and instruments while Englishman Janek Schaefer uses turntables and field recordings, but the two men hold common values that no doubt contributed to the seamless quality of this collaboration. Each man shows a respect and appreciation for the sound sources they transform, and each has crafted music whose tonal appeal and atmospheric quality has invited the term ambient. But remember, according to Eno’s original definition, ambient music must be as interesting as it is ignorable.

The sessions that yielded Hidden Name took place in composer John Tavener’s farmhouse and use its contents and surroundings as both inspiration and instrumentation. Opening track ‘White Wings / Child Okeford’ blends processed church chimes, sustained organ chords, and the distant roar of air traffic into an imperceptibly changing ribbon of sound; on ‘Belle Etoile’ a rainstorm overtakes an idle piano melody. Schaefer’s peculiar brand of turntablism comes to the fore on ‘Quartet for Flute, Piano and Cello,’ which sounds like it was assembled from brief needle-drops on old classical records and compares favorably with Philip Jeck’s crackle-encrusted memorials, and ‘Maori Love Songs,’ which singles out some lovely vocal passages, then ties them in an elegant little knot. Sustained sounds drift and morph at a sunrise pace on the title piece and ‘The Planets,’ the blissful 19 minute-long album closer. They’re gorgeous, but if you’re looking for ambient music they must be counted as honorable failures; while they amply reward close listening, they refuse to be ignored.

Bill Meyer

“Leise” reviewed by Octopus

Difficile quand on est un musicien électro-acoustique, qu’on traîne en permanence dans un environnement de feuilles de métal polies(ou dépolies), de bouts de bois, de papier, de plastique, à guetter l’interaction sonore impromptue qui dériverait de l’expérience, difficile donc de ne pas susciter la curiosité de sa petite fille de 5 ans, irrémédiablement tentée par les jeux de manipulation qui s’offrent si facilement à elle. Franz de Waard, mentor du label Staalplaat et défricheur de matières au sein du projet Kapotte Muziek, s’est donc trouvé bien étonné quand sa petite Elise lui a fait part de son désir de « pratiquer » à son tour. Qu’à cela ne tienne, l’expérience de sa fille en nourrira bien une autre. C’est ainsi que démarre l’aventure Leise (« tranquille » en allemand, mais également un anagramme du prénom Elise), troisième floraison de Freiband, sans doute l’incarnation la plus personnelle – émotionnelle en tout cas – des projets musicaux du musicien hollandais (il ne faudrait en effet pas oublier les plus électroniques Goem et Beequeen).

Une fois enregistrées, les frasques sonores de la petite Elise ont été progressivement retravaillées à l’occasion de performances live qui ont vu l’ordinateur ordonner et structurer la matière en jouant de l’articulation des sons bruts de sa fille et de l’agencement feutré caractéristique du son « laptop ». Entre frémissement et fragmentation, un nouveau paysage se met donc en place, fragile et envoûtant, à l’image des ondulations organiques qui animent subrepticement “Rammel”. Quand l’introspection musicale renvoie à la plénitude familiale, on se dit qu’après tout la musicologie vaut bien la pédiatrie.

Laurent Catala

“Leise” reviewed by textura.org

The seeming incongruity between the child-like drawings adorning Leise and its abstract contents is reconciled when one learns that all of the release’s raw sound material was produced by Frans de Waard’s daughter Elise (her name an anagram of the recording title) when she was three years old. “Knippers” initiates the disc, de Waard’s third Freiband full-length, with high-pitched squeals that might just as easily have originated from Elise’s cats as from the metal sheets, paper, sticks, and plastic her father uses for Kapotte Muziek.

After recording the sounds in Boston in 2003, de Waard transformed the recordings via computer processing, obscuring the original sounds’ identities without losing their warmth in the process (though faint hints do surface every now and then, like the morphing pulses in “Paarden” that suggest hammering and the rattle sounds one hears during “Rammel”; the album even closes with a few seconds of Elise’s untreated vocalizing). Tracks bleed into another like a gently flowing river of electro-acoustic minutiae: “Bij” stretches sound into a glacial crawl, the firefly clicks of “Vuur” are so lulling they could induce sleepiness, “Daisee” gently sways like a drifting vessel, and, though its title suggests otherwise, “Storm” is never more than a microsound tempest. Freiband’s ‘personal’ approach brings a humanizing dimension to a musical style that can often be somewhat clinical and severe.

Having issued joint projects with Ekkehard Ehlers (Heroin) and Douglas Benford (Reciprocess +/vs. vol. 2), Stephan Mathieu is no stranger when it comes to collaborative undertakings. That textural sound sculptor Janek Schaefer is an equally natural partner for Mathieu is indubitably borne out by the quietly magnificent Hidden Name. Having met in Montreal at MUTEK 2002, the two convened a year later to spend a week at Maryanna and John Tavener’s home, specifically Manor Farm House located in Child Okeford in the South of England. Drawing from a wealth of sounds produced from instruments (piano, clarinet, cello, flute, trumpet, accordion, sitar, singing bowls, bells, voices), records, and on-site field recordings, the two recorded material which they then reconfigured at the York Music Research Center during the winter of 2005 into the 11 settings on Hidden Name.

Like Leise, originating sounds are sometimes rendered unidentifiable but, unlike the Freiband disc, Hidden Name’s settings are full-bodied and dense with detail. Often swathed in layers of surface noise, the myriad sound sources coalesce into gently flowing washes of vinyl crackle and hypnotic ripples pierced by bells, tones, and pizzicato strings. One of the album’s most distinguishing features is the contrast that emerges from one piece to the next: “Cosmos” resembles an aviary tour, with the sounds of pigeons cooing, birds chirping, crows cawing, and roosters calling dominating; “Quartet For Flute, Piano And Cello” suggests an ancient vinyl recording discovered in an attic, dusted off, and played on an equally archaic turntable; and the entrancing weave of female voices in “Maori Love Song” recalls Akira Rabelais’s mesmerizing Spellewauerynsherde. Equally uncharacteristic, all of the album’s pieces are generally short (two to seven minutes) except for the closer, a 20-minute dreamscape entitled “The Planets.” Though the resultant recording camouflages the differences in the artists’ individual working methodologies, Hidden Name also unites their strengths into a single set. In this particular case, the pastoral setting clearly worked some powerful magic.

“Leise” reviewed by Bad Alchemy

Hinter FREIBANDs Leise (Crónica 026) vermutet man erst mal einen weiteren Segeltörn über den Stillen Ozean of Sound. Aber der Titel entpuppt sich als Anagramm von Elise, Frans de Waards Töchterchen. Der Künstler-Vater begegnet, ähnlich wie die in gleicher Lage befindlichen RLW, Rafael Toral oder Ekkehard Ehlers, der mütterlichen Alternative ’Kapotte Muziek oder kaputte Beziehung. Kümmer dich gefälligst auch um deine Tochter’ denkbar lässig. Wir machen zusammen Musik, da geht euch der Hut hoch. Elise, damals 3 Jahre alt, spielt (mit a wide variety of musical and non-musical objects: sheets of metal, paper, sticks and other junk), und Vadder spielt mit (with contact microphones, processing etc.). Zu Belohnung darf er dann wieder los ziehen, sogar nach Boston, Reykjavik oder nach Setúbal, wo Frans die Produkte seines & Elisens Spieltrieb den Knispel-Aficionados als sedimentierte Lebenskunst unterjubelt. Die Soundwelt als Sandkasten, die Sublimation von Milch und Brei und Windeldüften, von Patschhändchen und Polypenärmchen und zentnerschweren Gefühlsbindungen in fein gesiebte Luft. Quietscht bei ’Knippers’ noch ein Gummientchen, summt es in der Folge gewohnt abstrakt, d.h. konkret. Elise wurde dafür zum dröhn-, bei ’Paarden’ auch pulsminimalistischen Geist, der die summenden und bitzelnden Freiband-Schwingungen und knarzigen Loops dämpft und sie kuschelweich und sanft macht. Doch hatte Frans de Waard, auch ohne Software und Elise, nicht schon längst eine Ader für Milch & Honig?