Crónica’s summer afternoon

Crónica postcard by Jorge Colombo
Next Saturday at Matéria Prima and Artes em Partes, Crónica will present its new series of promotional postcards — illustrated by Jorge Colombo (above), José Cardoso, Pedro Nora and Luis Urculo — while selling all its releases at very special (and very fresh) prices.

We’ll also celebrate something like the end of an era, as the Matéria Prima store will be relocating from its historical premises by the end of the summer and this will be our last chance to spend an afternoon there, listening to good music and chatting with friends.

(MC and Pal will be the DJs for the afternoon, playing tracks from Crónica’s catalogue.)

“Ification” reviewed by Textura

Ification
Pure’s Ification is an oft-unsettling stylistic travelogue whose range extends far beyond the backyard. Uncompromising experimental electronic workouts sit side-by-side with modern classical and cinematic soundscaping in the Berlin-based artist’s collection. Since 1992, Peter Votava has issued more than thirty CDs and vinyl releases of solo and collaborative works under different aliases, with Ification arriving six years after his previous studio release Noonbugs (Mego). Pure begins with “Fire,” an ear-piercing, molten overture of stabbing guitar playing (courtesy of Digital Hardcore artist Christoph de Babalon) that ensures the listener will be fully alert at the start of the trip. Slightly easier on the ears is “After the Bomb,” a long-form funereal meditation that blends shuddering haze, organ flurries, and percussive accents by Radian drummer Martin Brandlmayr into a cinematic set-piece of dramatic portent. “Approximation” combines the low, foghorn-like bellow of horns, the scrape of strings, and percussive flourishes into a six-minute setting similar in style to a contemporary classical composition. At this stage, the album moves into Mego-like territory with “Night Flight,” an epic, rippling mass of deep string swells and firestorms of electronic spatter; “Sonomatopeia,” dotted with electronic blisters of bass swells and Alexandra von Bolzn’s demonic vocal effects; and “End,” which immerses the listener within a sixteen-minute cauldron of lethal bass swells and stabs (courtesy of Anke Eckardt). A final surprise comes at disc’s end when the deathly post-rock of “Metal Sky” places the percussive inventions of Brandlmayr at the forefront. Pure presents a not always pretty but nevertheless remarkable sound world where the listener never knows what direction the next piece will take.

via Textura

“Berlin Backyards” reviewed by Textura

Berlin Backyards
Obviously Aubry’s idea of a typical Berlin backyard isn’t a quiet and peaceful haven one retreats to as a respite from the noise of the city but instead a place where loud, industrial machinery churns relentlessly. Such equipment—air conditioners, trash compactors, recycling containers, electric power stations, all of which keep the city running—exhales convulsively like a living organism throughout the recording’s forty-nine minutes. Aubry spent the winter of 2006 recording the city’s backyards, and in the process became more sensitive to the setting as an interzone between the public and private sphere. The eight-part musique concrète composition the Berlin-based sound artist fashioned from his source material implicitly argues that the city’s backyards operate according to rhythms very much like a human being’s. The opening sections are aggressive, even violent in their indomitable churn and throb, and the sound is so intense it feels as if one is positioned within the machinery (as an indication of track one’s character, imagine a microphone positioned close to the tracks of a subway car in order to best capture its screech). Though the intensity level subsides somewhat during the recording’s middle section, allowing quieter noises such as water, footsteps, and voices to be heard, the activity level never flags, and soon we’re thrust once again into the belly of the industrial beast. Traffic sounds of cars racing past appear alongside machine rumble and workers’ clatter in the final section. It bears mentioning that, here and elsewhere, Aubry doesn’t merely juxtapose field recordings or sequence them but instead arranges the materials into a large-scale conceptual whole that, in its way, becomes almost musical.

via Textura

Netlabels & News reviews “Compilation Works 1996-2005”

Compilation Works
Si ya los propios estilos musicales son polémicos y discutibles en cuanto a su exactitud y alcance, resultando la mayoría de las veces solo vagas y aproximadas etiquetas orientativas; hay un debate que todavía va mas allá: ¿que puede considerase música y que ruido? La pregunta es mas compleja de lo que puede parecer, ya que la definición mas aceptada de este ultimo dice que “es ruido todo sonido no deseado”, según esta primera acepción lo que para alguien es deliciosa música, pues le resulta una experiencia sonora placentera, para otro puede ser ruido ya que le molesta, desagrada, no entiende o no es capaz de decodificar. Puede incluso darse el caso de que la misma pieza sonora agrade o disguste a la misma persona según el momento, las circunstancias o (muy importante) dependiendo de la forma y el entorno de reproducción: volumen, intensidad de las frecuencias, etc. Esto apunta a una segunda definición; el “ruido como un sonido de un intensidad o potencia acústica tan alta que puede resultar incluso perjudicial para la salud humana”, un sonido con mas de 90 db puede provocar incluso lesiones irreversibles, lo cual es menos discutible.

Pues bien, sobre todo durante los últimos 100 años, coincidiendo con el nacimiento y desarrollo de las técnicas electrónicas de creación, grabación y reproducción del sonido, este debate se ha erigido en el centro de las inquietudes e investigaciones de muchos “artistas sonoros”. Uno de los más relevantes es Marc Behrens, con una biografía repleta de actividades, es un artista que trabaja en varios frentes, audio, instalaciones, fotografía, vídeo, grabaciones de campo en distintos viajes, etc. Además es miembro de varias e importantes asociaciones y fundaciones de música electrónica y arte sonoro.

Han existido varias tendencias que han insistido y profundizado en el asunto, habitualmente se denomina Glitch a la corriente que hace hincapié en el “error técnico” o el “desliz digital”. Su (en principio) carácter involuntario hace que sea considerado “ruido” cuando se “cuela” en el proceso de grabación, pero su repetición deliberada lo convierte en un elemento (voluntario) mas de la textura sonora, además a veces su uso tiene connotaciones filosóficas: “el hecho de que la sociedad occidental este tan obsesionada por perfeccionar su entorno, sus herramientas y todo lo que nos rodea puede haber creado la necesidad de escaparse por parte de algunos artistas, que para eludir esa perfección y mantener el famoso “toque humano” usan deliberadamente los errores” (Marc Behrens).

Parece tener implicaciones de protesta, reacción transgresora o de cuestionamiento de lo valores estéticos tradicionales. Si por un lado el auge de la tecnología y la informática hacen que cada vez sean posibles grabaciones y producciones increíblemente perfectas por limpias y depuradas parece surgir paralelamente una añoranza por los “ruidos” o interferencias, a su vez también provocados por la propia tecnología. Esta también permite una mayor investigación: una profunda inmersión en los elementos más básicos y mínimos del sonido, lo cual nos lleva a la dimensión “científica” de estas corrientes.

El tema excede con mucho las pretensiones de este post, pero viene motivado porque es todo un lujo que Marc Behrens se haya decidido a publicar para la sección libre de Crónica Electrónica una recopilación de 19 piezas que repasan 10 años de su trabajo, donde podrás experimentar esta tendencia llevada al extremo.

via Netlabels & News